Ariana Grande – My Everything (2014)

My EverythingOrigem: Estados Unidos
Gênero: Pop, R&B
Gravadora: Republic

Ariana Grande é uma artista que ficou reconhecida por causa de sua atuação como a personagem Cat Valentine na série da Nickelodeon “Brilhante Vitória”. Em 2014 a moça lançou seu segundo álbum de estúdio e diferente do primeiro, o aclamado “Yours Truly”, este tem várias participações, tais como Iggy Azalea e o produtor Zedd. O que me surpreendeu quando ouvi as músicas de Ariana pela primeira vez foi a qualidade de sua voz, que é bastante “poderosa”. Seu primeiro álbum foi aclamado pela crítica, e merecidamente, em minha opinião. Repleto de músicas suaves, bem produzidas e boas de se escutar.

Um ano depois, Ariana nos entrega “My Everything”, sucessor do seu primeiro e bem sucedido álbum. O álbum inicia com uma introdução bem rápida com Ariana cantando uma mini-letra, mostrando já o fator do vocal que citei. O CD arranca com “Problem”, que tem participação da rapper Iggy Azalea, a faixa tem uma levada de sax ótima e é uma música que fica na sua cabeça depois de escutar, é uma música ótima e conta com Iggy referenciando Jay Z com a frase “I’ve got 99 problems, but you won’t be one”. Em seguidas temos “One Last Time” e “Why Try” ambas músicas com um tema sentimental na letra, enquanto One Last Time é uma música mais “de balada”, Why Try é mais calma, lembrando até mesmo algumas músicas da artista Beyoncé.

Em seguida com “Break Free”, onde a produção fica por conta do DJ alemão Zedd, é a aposta de Ariana na música eletrônica, envolvendo um tema mais ou menos como o de “Problem”, foi uma aposta em cheio, é uma música enérgica e dançante, como se já não bastasse Problem, Break Free foi outra faixa do disco que emplacou bastante. Mais uma faixa de Ariana voltada ao lado do Hip Hop, “Best Mistake” tem participação do rapper Big Sean e é uma balada sentimental, uma das melhores do disco, devo dizer. “Be My Baby” é uma música animadinha e romântica e a próxima, “Break Your Heart Right Back”, que também investe no mesmo tema de “Problem”, é uma balada bem animadinha. Temos também a faixa “Love Me Harder”, que na verdade é uma faixa do cantor The Weeknd com participação de Ariana, mas que por algum motivo entrou no CD da cantora. Não é uma faixa ruim, mas é a mais fraca do disco.

“Just a Little Bit of Your Heart” é uma baladinha romântica que foi escrita pelo membro da boyband One Direction, Harry Styles. Apesar de tudo é também uma das melhores, se não a melhor faixa do disco, a voz de Ariana acompanhada da sinfonia de piano e orquestra criou uma atmosfera musical incrível, e os instrumentos são posicionados muito bem. A penúltima é a faixa “Hands on Me”, com participação do rapper A$AP Ferg. Pode parecer estranho, mas a faixa me deu um sentimento nostálgico por parecer faixas que cantoras como Britney Spears e, novamente, Beyoncé, lançavam no período de 2003 à 2006. É boa, apesar de eu ter achado a voz de Ferg meio estranha. O disco é encerrado com a faixa título, outra balada romântica com sinfonia de orquestra e piano acompanhado a voz de Ariana, outra faixa incrível.

Há edições do disco com faixas bônus, incluindo a famosa “Bang Bang”, música de Jessie J com participação de Ariana e da rapper Nicki Minaj, que realmente é uma faixa bem boa. Mas queria me centrar nas 12 faixas principais do disco. My Everything é tão bom quanto o primeiro álbum de Ariana, tem músicas boas, divertidas e algumas músicas “chiclete”. É um álbum bem produzido, e é a prova de que ainda há alguma esperança na música Pop de hoje em dia. Tenho escutado mais pop recentemente e digo que é sempre bom acostumar os ouvidos com outros estilos musicais. My Everything é sem dúvida um dos melhores álbuns pop do ano até agora, e eu recomendo dar uma “passada de ouvido” por ele. Claro que pode não agradar a todo mundo, mas porque não tentar?

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Hatebreed – The Divinity of Purpose (2013)

Hatebreed - The Divinity of Purpose
Origem:
Estados Unidos
Gêneros: Metalcore, Hardcore Punk
Gravadoras: Razor & Tie, Nuclear Blast

The Divinity of Purpose é o sexto álbum da pioneira banda de Metalcore vinda de Connecticut, o Hatebreed. Misturando um Hardcore Punk com Crossover Thrash, o grupo já fez muitos trabalhos interessantes, e irei falar hoje de seu último lançamento. Com um som agressivo durante pouco mais de meia hora de álbum com doze músicas que duram entre dois e três minutos, a banda cumpre a proposta prometida: um som porrada, ora agressivo, ora melódico.

O disco inicia bem no Metalcore com “Put It to the Torch”, e desta em diante vai alternando entre o Metalcore e o Hardcore Punk, trazendo um trabalho bastante interessante. O Hatebreed é uma das poucas bandas da cena Metalcore que realmente faz música boa, e não aquele som do Asking Alexandria que é apenas um berreiro irritante, apesar de que esta ainda tenha lançado alguma coisa interessante em seu último álbum, mas como o foco aqui é o Hatebreed, vamos continuar.

O álbum traz faixas boas e algumas até envolventes, tais como a já citada “Put It to the Torch”, “The Language”, “Before the Fight Ends You”, a faixa-título e mais outras. Não é um álbum com muitas faixas e o som das músicas é sempre mais do mesmo, mas isso não o torna um álbum ruim. Na verdade, eu acho que é um dos melhores álbuns de Metal que já ouvi neste ano.

Conheci a banda já faz algum tempo, mas fui ouvir o som dos caras há pouco mais de um mês, quando vi que foram confirmados para o Monsters of Rock (onde fizeram um ótimo show, diga-se de passagem). Por fim, tenho a dizer que The Divinity of Purpose é um álbum muito bom, não chega a ser um dos melhores da banda, mas ainda assim é ótimo, vale a pena dar uma conferida quem curte o gênero.

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3 Recomendações: Metal Extremo (2013)

Nem sempre é possível falar sobre todos os ótimos e péssimos álbuns lançados em um único ano. Por mais cuidado que um crítico tenha, ele pode deixar de opinar sobre um álbum de grande (ou péssima) qualidade por falta de tempo ou por não conseguir transparecer sua opinião de forma que considere-a justa. A ideia do quadro 3 Recomendações é falar sobre discos que você deve procurar ouvir de um específico gênero ou ano de lançamento e que são considerados pelo escritor do artigo como candidatos a uma possível lista de “melhores do ano”. Estarão anexados links para audição das canções que você devam despertar o seu interesse em tal trabalho. O primeiro texto deste novo quadro será sobre três discos de Metal Extremo, que neste ano teve bastante material interessante.

The Dillinger Escape Plan – One of Us Is the Killer

One-of-US-is-the-Killer-Album-CoverO quinto álbum de estúdio do grupo californiano é intenso, rápido e pesado, porém é extremamente complexo, com momentos onde a banda parece uma máquina de destruição, sem ter pena do ouvinte, como é possível de se ouvir na faixa de abertura, “Prancer”. Mas estamos falando de uma banda extremamente versátil, que é capaz de compor canções como a faixa-título, que é possui momentos tanto quanto calmos encontrados em um grupo de Jazz, como momentos encontrados em bandas de Metal radiofônico. A execução deste álbum de 40 minutos é ótima e os vocais de Greg Puciato são, no mínimo, excelentes, sejam eles gritados e berrados ou cantados.


Shining – One One One

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One One One é outro álbum intenso, rápido e pesado. Entretanto, ao invés de algumas canções com vocais limpos e de fácil assimilação como The Dillinger Escape Plan fez, este grupo norueguês simplesmente não perdoa. Em menos de 36 minutos de duração, esta banda de Jazz Metal Experimental usa o sax como se fosse uma guitarra em diversas faixas deste álbum, como na canção de abertura, “I Won’t Forget”. O destaque do álbum fica com a poderosa “Blackjazz Rebels”, que certamente irá deixar qualquer ser humano espantando com a energia demonstrada. Mas, apesar dos experimentos, pesos e vocais rasgados/gritados, é um álbum grudento. Seus refrões são daqueles que custam a sair de sua cabeça, gostando das faixas encontradas aqui ou não.


Kongh – Sole Creation

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De todos os álbum aqui citados, este é o mais longo, com 45 minutos de duração, possuindo apenas quatro longas canções, com quase todas durando acima da marca dos 10 minutos. É lento e atmosférico, com momentos progressivos e, às vezes, até depressivos, como a faixa “Skymning”, que possui bastante força emocional para encerrar o álbum. Para alguns isso pode não ser interessante, porém os elementos de Doom Metal presente neste álbum são bem executados, os vocais são bons e as composições são ótimas, como é visto na faixa-título. Se você tem interesse por algo não tão veloz, mas sim por um som com influência de Black Sabbath, apresentando uma faceta moderna, esta banda sueca pode te surpreender.

 

Avenged Sevenfold – Hail to the King (2013)

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Origem: Estados Unidos
Gêneros: Heavy Metal, Hard Rock
Gravadora: Warner Bros. Records

Hail to the King é o sexto disco desta banda da Califórnia, o primeiro sem seu baterista original, o já falecido e bom músico The Rev, e o primeiro com Arin Ilejay, ex-Confide. Após o interessante e depressivo Nightmare, de 2010, Avenged Sevenfold sentiu que precisava surpreender seus fãs com uma nova direção musical. Ao invés de repetir as fórmulas de seus discos anteriores pós-Waking the Fallen, o grupo decidiu lançar seu “álbum negro”. Os talentosos músicos decidiram por um álbum mais comercial, para conquistar os fãs do clássico Heavy Metal, que os odeiam e não suportam a música que o quinteto faz. Já é possível saber como Hail to the King será baseando-se apenas esta pequena descrição.

O álbum começa com “Shepherd of Fire” e na introdução desta canção temos sons de fogo em brasa, mostrando a ideia de energia que a faixa mostraria. Para o encerramento temos “Acid Rain”, a faixa termina com sons de chuva, resumindo de forma simplória o que foi a faixa. São ideias interessantes para iniciar e encerrar um disco, porém o que separa essas ideias são 53 minutos divididos em 10 músicas com pouca qualidade e, principalmente, sem criatividade e personalidade. Com exceção de “Planets”, você pode pegar qualquer música de Hail to the King e apontar para a(s) fonte(s) de sua “influência”. Por exemplo, “Doing Time” é uma mistura irritante de Guns N’ Roses e Velvet Revolver. Já “Coming Home” é um visível “tributo” ao clássico do Heavy Metal “Number of the Beast” do Iron Maiden. E, sem esquecer do óbvio, pelo menos três faixas foram chupadas do Metallica. “Shepherd of Fire” é como “Enter Sandman” com alguns toques de “Cowboys from Hell” do Pantera, “Crimson Day” é o equivalente a “Nothing Else Matters” e, o maior plágio deste disco, “This Means War” é praticamente um cover de “Sad But True”.

Se você, que odeia o Metallica por sua transformação ao mainstream, mas ama o Megadeth, porquê manteve o Thrash Metal com boa qualidade, repare na vísivel “influência” em “Heretic”, que mais parece “Symphony of Destruction”. Em relação a faixa título, é uma fraquíssima canção que qualquer banda genérica metida a Manowar poderia compor. E a já citada “Acid Rain” soa como se fosse composta por, pasmem, Muse! E não se pode esquecer de “Requiem”, que foi composta quando a banda ouvia o novo disco do Ghost e outras diversas bandas de Power Metal. E para as letras que a banda possuía – você considere elas emo ou não – “evoluíram” para temas de fantasia, o que torna mais difícil de levar alguém a sério quando diz que “olhou nos olhos do diabo”. Onde está a personalidade e criatividade deste grupo californiano? Avenged Sevenfold mudou, mas ao invés de seguir para frente ou seguir para direita ou esquerda, resolveram voltar seis passos para trás. Toda a complexidade e emoções que a banda tentava passar em suas composições se foram. Tudo que sobrou foram os irritantes vocais de M. Shadows. É preciso diferenciar “influência” de “plágio”.

Um exemplo vivo de artista que recebe bastante influência do passado é Steven Wilson. Em seu novo disco, o excelente The Raven that Refused to Sing (And Other Stories), é visível influências das grandes bandas clássicas do Rock Progressivo e Jazz Fusion, como Jethro Tull, Mahavishnu Orchestra e, principalmente, King Crimson. O que acontece é que Wilson coloca sua personalidade nas suas composições. Por mais visível que seja as suas influências, o ouvinte sabe que está ouvindo um artista disposto a deixar a sua marca no que está executando e, no caso de Wilson, produzindo. Em seu novo álbum, você não consegue apontar para uma faixa que o disco tenha chupado de um artista, somente as bandas que levaram a compor as canções. Entretanto, em Hail to the King, você pode dizer que “This Means War” é na verdade “Sad But Two”.

Em resumo, Hail to the King é um disco, em sua essência, monótomo, fraco, forçado, cansativo e nauseante. O novo baterista do grupo, Arin Ilejay, não tem culpa de estar tocando músicas tão aquém da capacidade de qualquer baterista de Metal moderno, que estão no nível de Lars Ulrich. A necessidade que o grupo demonstrou em conquistar os fãs tradicionais do grupo não vai funcionar, pelo simples fato de que esse disco é um falso tributo aos amantes do Heavy Metal. Se Hail to the King for um disco que lhe interesse, então você está assumindo que não tem senso crítico ou simplesmente quer ouvir tudo o que já foi feito com algumas alterações e vocais piorados.

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Kanye West – Yeezus (2013)

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Origem: Estados Unidos
Gêneros: Hip-Hop Experimental, Hip-Hop Industrial
Gravadoras: Roc-A-Fella, Def Jam

Com o lançamento do aclamado My Beautiful Dark Twisted Fantasy, lançado em Novembro de 2010, o rapper Kanye West vem cada vez mais se destacando na mídia, seja positivamente com o próprio lançado em 2010,  ou seja pelas suas aparições na mídia e as palavras que usava em entrevistas e em shows, considerando-se um “Deus” da atualidade. Se compararmos com outro rapper americano, como Lil Wayne, certamente Kanye West é “Deus”. Kanye West, junto com Jay-Z, estão em um patamar que nenhum outro rapper está próximo. Kanye por demonstrar uma incrível progressão como produtor e artista, e Jay-Z por ser um rapper com excelente situação financeira e por estar na mídia por mais de 10 anos sem ter tido sua imagem destruída.

Como produtor, Kanye consegue construir ótimas batidas e usar samples de forma inteligente e criativa, mas como letrista, Kanye decaiu de nível após o lançamento de seu terceiro álbum, Graduation, de 2007. Em sua fase Pop, Kanye explorava uma maior diversidade de temas, e nem todos os temas selecionados eram pessoais, falando sobre religião, família, materialismo e, principalmente, educação. Ouvindo os discos posteriores a Graduation, percebemos que a variedade de temas que Kanye utilizava diminuiu. Já em seu quarto álbum, 808s & Heartbreak, de 2008, Kanye focou-se em temas extremamente pessoais, fazendo músicas sobre amor, solidão e “coração partido” em um álbum com uso extensivo de auto-tune, uma ferramenta bastante usada por Kanye em 2008 e diante, algo que se mantém aqui em Yeezus.

Yeezus é um disco experimental, podendo lembrar grupos como Death Grips em alguns momentos, entretanto Kanye demonstra personalidade própria em seu sexto álbum de estúdio solo. Na canção que abre o álbum, “On Sight”, percebemos o minimalismo que permanece em boa parte do álbum e todo seu potencial barulhento, com forte intensidade em sua batida e um ótimo uso de sample na metade de “On Sight”. Já em faixas como “I Am A God” e “Hold My Liquor”, possui momentos onde Kanye poderia usar mais peso e intensidade, demonstrada em “On Sight” e, principalmente, “I’m In It”, onde possui uma mudança de ritmo que fez a diferença para a canção se tornar uma das melhores do álbum. “Black Skinhead” e “New Slaves” são canções pesadas em seu conteúdo lírico, envolvendo temas sobre racismo envolvidas pelo minimalismo presente no álbum, principalmente “New Slaves”, onde, em questão de progressão e ritmo, somente para o fim que realmente temos algo que altera a estrutura da faixa.

Apesar de Yeezus (em sua boa parte) ser um álbum minimalista, não é em todas as músicas que isso se segue. Na faixa mais longa do disco, “Blood On The Leaves”, é bastante movimentada com um Kanye West bem depressivo e emocional no auto-tune, uma ferramenta muito bem usada no decorrer de Yeezus. Até mesmo alguém como o jovem rapper Chief Keef soa tolerável com esta ferramenta na faixa “Hold My Liquor”, onde o mesmo canta o refrão de uma forma onde o homem de gangue que não quer demonstrar sentimentos finalmente demonstra sentimentos que estava escondendo. Algo notável neste álbum é a tonalidade triste presentes e, de certa forma bonitas, neste disco. Se ignoradas letras em determinados momentos, Yeezus possui momentos que faria Lou Reed chorar (clique aqui e confira [em Inglês] a opinião de Lou Reed sobre Yeezus).

Letras em Yeezus é, em grande parte, o ponto fraco. “Send It Up” tem uma batida cativante, porém com uma letra péssima. E a versatilidade de temas, comparadas com seus discos da era Pop, continuam muito menores. E em alguns refrões, como em “Guilt Trip” e “I Am A God”, são totalmente inefetivos e cansativos. Entretanto, o fim do álbum com “Bound 2” vale a pena pelos samples usados e como foram usados, formando uma música deliciosa de ouvir, com uma ótima participação especial Charlie Wilson. Outro fato notável são as participações especiais. Comparada com My Beautiful Dark Twisted Fantasy, Yeezus possui menos participações especiais, mas as que estão presentes são competentes, como Justin Vernon em “I Am A God” e “Hold My Liquor”, Frank Ocean em “New Slaves” e Kid Cudi em “Guilt Trip”.

Yeezus apresenta seus problemas em seus 40 minutos de duração, porém é um disco que deve ser escutado de início a fim por diversas vezes. Kanye West superou em seu sexto álbum como produtor e artista, trazendo uma evolução inesperada. As músicas compostas, apesar de possuírem pouca qualidade em letras, contém batidas contagiantes, uso inacreditável de auto-tune, samples bem colocados e distribuídos, além de boas e efetivas participações especias. Yeezus é um álbum que demonstra que o comodismo é o maior inimigo do ser humano e que nunca devemos chegar a este ponto.

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Adema – Topple the Giants (2013)

Adema - Topple the Giants
Origem:
Estados Unidos
Gêneros: Metal Alternativo, Nu Metal
Gravadora: Pavement Entertainment

Desde “Kill the Headlights”, o Adema estava inativo pela ausência de um vocalista. Seis anos depois, a banda surge com “Topple the Giants”, que marca a estréia do guitarrista Tim Fluckey nos vocais da banda. Eu fiquei bastante entusiasmado, já que eu sempre considerei a banda muito boa, apesar de preferir os vocais de Mark Chavez aos de Luke Carraccioli (este que esteve presente no álbum “Planets”, que diga-se de passagem, é muito bom) e de Bobby Reeves. Vamos ao principal, o conteúdo.

O EP é formado por sete faixas, sendo três inéditas e quatro regravações de sucessos anteriores da banda. Na primeira faixa já percebemos o que me deixou muito chateado, não, Fluckey não é um mau cantor, porém, ele não tem aquele “feeling” quando canta, tal como tinham Mark Chavez e Luke Carraccioli (apesar de preferir o vocal de Chavez, devo admitir que Carraccioli tem um feeling absurdo ao cantar). Parece que Fluckey não se entusiasma ao cantar, mesmo com um instrumental ótimo, o vocal peca bastante.

Como se já não fosse ruim o bastante não transmitir entusiasmo ao cantar as músicas inéditas, Fluckey conseguiu deixar sem graça algumas grandes músicas da banda, tais como “Planets” e “Immortal”. Não estou dizendo que o guitarrista não é um bom cantor, não. Fluckey se esforçou e está apto para cantar, só não tem o entusiasmo que os ex-vocalistas tinham. Enfim, posso dizer que, por enquanto, será melhor que o vocal seja aperfeiçoado antes de lançar outro trabalho com o Adema. Infelizmente não era o retorno que eu esperava, mas, paciência.

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Torres – Torres (2013)

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Origem: Estados Unidos
Genêros: Indie Rock, Dream Pop, Folk Rock
Gravadora:
 Independente

Cá estamos, após um belo ano para a música, tudo começa novamente. O ciclo tem seu recomeço, nada para e 2013 promete. Estou um tanto atrasado pois estava enrolado com a lista de melhores discos de 2012 que acabei perdendo duas vezes graças a problemas com meu computador, e logo após isso, alguns problemas pessoais tiraram quase todo o tempo que eu tinha pra escrever. Sem mais delongas, vamos direto ao que interessa: Minha opinião sobre este belo trabalho, primeiro registro que ouvi neste 2013

Torres é uma garota de 22 anos vinda de Nashville, Tennessee. Na verdade, ela se chama Mackenzie Scott e seu projeto começou a ganhar asas recentemente. Não há muito a se dizer por trás desse debut auto-intitulado, senão que, como de praxe, um primeiro disco tem a vantagem de não carregar expectativas, podendo cativar fãs com maior facilidade. Em contrapartida, é quase sempre o primeiro disco que caracteriza sua fanbase ou o caminho que sua carreira vai seguir. Mackenzie não parece estar se importando muito com tudo isso, quer dizer, não a ponto de deixar que todo esse bolo de fatos e detalhes descaracterize a sua arte. Ao menos visivelmente, não.

O que chama a atenção nesse disco é a voz de Scott. Suas linhas vocais são marcantes por si só, sem necessariamente possuir um diferencial. Ela não soa diferente e nem pode ser considerada uma ótima cantora, mas sua voz – meio fraca, meio trêmula (?) – é um dos principais charmes deste trabalho. Do outro lado, fazendo isso funcionar corretamente, temos as letras. Cobertas de metáforas e comparações, são quase retratos, talvez pelo fato de que são escritas – a maioria delas – em  primeira pessoa. É como se, ao prestar atenção, você mentalizasse uma pequena história em sua cabeça, mas sem saber exatamente o que aquilo significa, embora seja algo “concreto”. Uma aura pesada contorna tudo isso, criando um ambiente melancólico que começa a ser construído em “Mother Earth, Father God” e tem seu final em “Waterfall”

Os arranjos aqui são demasiadamente simples, isso quando as músicas não são acompanhadas somente pela guitarra. Isso não faz desse disco pior, uma vez que eles se encaixam perfeitamente no clima do mesmo. Torres construiu isso minuciosamente e o resultado agradou, mostrou o que faz um disco não ser uma simples compilação. Isso se baseia saber como encaixar cada faixa em seu lugar e saber qual é seu objetivo: Fazer tudo na mesma linha ou extrapolar os limites de gênero, padrões, formatos e etc. Embora o primeiro seja muito mais fácil que o segundo, é algo que está em falta atualmente. Isso é, se tratando de discos com  bons resultados finais, isso está em falta. Essa combinação monta uma atmosfera muito agradável, sobrepondo as letras  com as melodias suaves e lentas. Isso se nota na sequência de faixas 3-8; as mais densas e que são capazes de despertar o gosto do ouvinte pelo full-lenght. De um ponto de vista sensorial, é como se você estivesse sendo hipnotizado e se transportasse para trechos de filmes em lugares imaginários que fossem capazes de ilustrar as belas e  – de certa forma – tristes canções presentes aqui. O uso eventual de eletrônicos e do baixo, principalmente em “Chains”, música de número 6, fazem a diferença e são responsáveis pela manutenção da obra ao longo de seus cinquenta e tantos minutos.

Esse disco realmente me pegou de jeito e se tivesse sido lançado ano passado, estaria figurando entre os melhores do ano. Sua qualidade é incomparável e embora não possua um diferencial para ser considerado clássico, não possui grandes problemas. Ao menos eu, não notei nenhum ponto negativo nesse disco ao longo das 7 audições até agora. Mackenzie não saiu da zona de conforto, poderia ter arriscado mais, mesmo assim cumpre de maneira espetacular seu papel para um primeiro disco. Quem sabe um dia ainda possamos dizer: Joni Mitchell – Kate Bush – PJ Harvey – Cat Power – Feist – Torres. Veremos.

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